Встреча с легендой.

...
Валерий Дмитриевич, как-то я прочитал, что вы интересуетесь старой фотобумагой, у меня есть пачка "Униброма" 1982 года, если вас или кого-либо из натуралов интересует этот материал, готов пожертвовать для дальнейшего расцвета белорусской натуральной фотографии, я ее буду называть так.

VL:

О, спасибо огромное, позвольте ответить прямо здесь. История вас не забудет. Думаю, материал ниже будет вам интересен парой ссылок.

По поводу бумаги — да, интересно. Там пару нюансов значимых. В связи с тем, что «Унибромы» прекрасно тонируются и (при правильной печати) выходят без рыжих оттенков, бумага вполне хороша. Она также пригодна для процесса ручного осветления, так что вуалирование только добавляет шарма — серый выходит серебристым и очень красивым. Нужно только рецепт этот неокрашивающий вспомнить, он весьма своеобразный и очень медленно работающий.

Важно еще, что «Унибром», как и остальные бумаги, поливались на материалы не самые лучшие. Поэтому при сушке в «растяжку» эти индивидуальные свойства подложки очень хорошо проявляются, что обуславливает и заметную фактурность поверхности, и индивидуальность отпечатка.

VL: еще вот такая информация:

кто-нть снимает на 6см плёнку? подарю 2х Ilford HP5+ 400 120

Это вот тут:

http://forum.ehunity.org/viewtopic.php?t=1111
...

...
Театр Света



Судя по вялым визитам на эту ветку в последнее время, актуальность этих набросков свой пик давно прошла.

Но файлов на машине еще висит некоторое количество, так что…

Béatrice Helg

Всегда приятно смотреть на тяжело вооруженную знаниями девушку. Просто неотразима, не правда ли?



Возможно, и не вполне девушку, но по поводу знаний — все точно:

Béatrice Helg was born in Geneva, Switzerland in 1956. After graduating from Calvin College and advanced studies in cello at the Geneva Music Conservatory, she pursued her studies in photography at the California College of Arts and Crafts in Oakland, the Brooks Institute in Santa Barbara, California, and at the International Center of Photography (ICP) in New York. In 1979, she took part in the organisation of Venezia'79 — la Fotografia. In 1981-1982, she worked in the ICP’s exhibition department in New York.

Весьма не простая. Может вот так: Béatrice Helg: De l’ombre à la lumière, но пишут про нее и так: Béatrice Helg – A la lumière de l’ombre.

Béatrice Helg — в списке наиболее значимых авторов для аукционов Southby and Christie, а работы — в самых разных собраниях, так что просмотр даже сетевых версий — всегда событие.

Dans la lumière de l'illusion



В ноябре откроется довольно длительная по времени выставка в галерее Thessa Herold, которая сменит фантастические работы Pancho Quilici. Одна картинка имеется на входе на страницу галереи:

http://www.thessa-herold.com/

Но смотреть лучше крупную работу и хороший план экспозиции в галерее SIGNATURE ART:

http://signatureart.blogspot.com/2007/0 ... riela.html

Gabriela Morawetz в этой выставке «ILLUSIONS» — скорее, на любителя. По ссылке если пойти, то довольно много крупных работ и хороший фрагмент экспозиции.

Крупные изображения имеются на страницах The Maya Polsky Gallery (Чикаго), см. Pancho Quilici:

http://www.mayapolsky.com/artists/quilici/index.html

В этой галерее имеются и фотографии ручной печати (Alla Esipovich).

Но это все — попутно, разве что вот сюда еще стоит заглянуть:



http://www.analitica.com/archivo/vam1997.03/museo.htm



*

Первая монография о Béatrice Helg:

Im Licht der Schatten и A la lumière de l’ombre

http://www.photosapiens.com/article.php?id_article=1734




Crépuscule IV, 2004, Ilfochrome, 100 x 91,6 cm

Пишут о ней чудесно:

Béatrice Helg’s photographs are composed studio shots bathed in light. Her focus is on her material, at first austerely stifling all movement: inanimate visual spaces, intrinsically idle and extrinsically expressive, requesting nothing from viewers but their full concentration. What initially strikes viewers as fairly unoriginal – a sheet of metal positioned vertically, horizontally or in suspension – is transformed into a landscape of infinity; the universe. The iron sheet comes to life as an organic, modifiable medium, telling tales of its clashing constituent elements and of permanent change. While its surfaces appear randomly designed, they reveal no trace of arbitrariness or indifference. The photographer is always firmly in charge of her subject, using its shape to design her own art. She creates spaces inhabited by iron and light that are ostensibly held captive by the camera but then released and rearranged in a new composition. The dimension of space carries over to the two-dimensional surface of the photographs, where it unfolds with fresh force.

Довольно ранняя работа, http://www.promethee.asso.fr/what/resil ... ioHelg.htm

With simple materials – light, frosted glass, sheets of rusted metal, blocks of concrete and architectural drawings – Béatrice Helg constructs her images for the camera and creates the illusion of monumental spaces. Sculpture or ephemeral architecture, her photographs have a spiritual quality and make a case for calm, harmony and equilibrium.


Béatrice Helg
"Metropolis IV", 1987
Cibachrome, 50 x 60 cm

Какое-то количество ссылок на работы с хорошим разрешением.

Beatrice Helg on artnet:

http://www.artnet.com/artist/695984/beatrice-helg.html

Можно смотреть на авторском сайте; там полный набор портфолио. Вот там и стоит зависнуть надолго. В Polaroid, в частности, уже виден будущий подход:

http://www.beatricehelg.com/portfolio/polaroid.html


"Entretiens d’atelier III", 1984
Color Polaroid print, 50 x 60 cm, Edition of 7
© Béatrice Helg

Самые новые вещи:


“Profondeurs I”, 2007
Ilfochrome, 115 x 107,9 cm, Edition of 8
© Béatrice Helg

...
Обещал еще, если помните, про Winter Bell. Удалось воообще раскопать только три ссылки, они доступны, но материала совсем немного. Яркие звезды сгорают быстро, не оставляя следа…

Было бы здорово найти отдельные снимки, хоть какую-то более подробную информацию, но пока вот это все, что нашлось.

Winter Bell


Winter Bell, "Moosehead" 1998, 1st Artist Proof, signed verso
gelatin silver print, pinhole camera, 16 x 20”"

Cutting-edge photographer Winter Bell, whose background in art and mural painting is raw and dynamic in her self-portrait work. Her expertise in b/w printing serves her career well. Winter is a rising star in the world of photography. She was also considered a top b/w printer at Fleshtones Lab and is currently devoting herself to her artwork and mural printing having collaborated with the well known Arden Lichty/Lichty Photo Murals. Winter's work was on display and sold in WIPI's "Hollywood Bound" exhibition at the Frances Howard Goldwyn Gallery at the Hollywood Library in early 2002.

Winter Bell, 1975-2003 A Solo Goodbye

Do not stand by my grave and weep
I am not there. I do not sleep
I am a thousands winds that blow
I am a diamond glint on snow
I am the sunlight on ripened grain
I am the gentle autumn rain.
When you are awake in the morning hush
I am the swift uplifting rush
Of wuiet birds in circling flight.
I am the soft starshine at night.
Do not stand by my grave and cry
I am not there… I did not die



Winter Bell, 27, died in Berkeley, Calif.on Jan. 16, 2003. She was a graduate of Portland High School, and was pursuing a Masters of Fine Arts degree in photography at the San Francisco Art Institute. In the short time of her career as a photographer, she produced a critical and magnificent body of work. Beginning as a self-taught amateur photographer while traveling around the southern U.S., she then studied the technical aspects of photography at Santa Monica College in California. She moved on to mentor under Art Lipkye in Los Angeles, in the field of large mural photography. After attending a Rockport School of Photography workshop in Cuba, Winter began her definitive work using pinhole cameras and large scale development. She has been exhibited in galleries and collected in homes internationally. Winter had a home on Peaks Island and practiced photography in Los Angeles, Calif. She was a beautiful, kind, and brilliant young woman, who gave an enigmatic impression of her character to everyone she encountered. She is loved and survived by her parents, Christina F. Winter and Edward M. Bell; her brothers, Tony and Tima Bell; and her grandmother, Sylvia Bell.



Also t he family established a Winter Bell Memorial Scholarship Fund at The San Francisco Art Institute to foster the photographic careers of young women.


Edward Bell, Winter's father,
relfects for a moment on his only daughters life
through the throughtful wishes and cards left
by visitors to the gallery.

Вторая информация — Archive 14 - Exhibition Highlights | WomenInPhotography:

http://www.womeninphotography.org/archi ... llery.html

Первая информация — со странички Women In Photography International, Archive 14 - April - June 2003:

http://www.womeninphotography.org/Event ... tola1.html

*

Загляните там еще на Mary Fahy (решение с изогнутой по профилю камеры пленкой),

Pinhole Art: A Marriage of Mechanics and Mystery:

http://www.womeninphotography.org/archi ... inews.html

...


Нобуеси Араки: Я, жизнь, смерть

4 тысячи фотографий легендарного японца в Стокгольме

А перед этим в Лондоне уже давно, года два назад, так что кому-то повезло. В Бельгии, правда, на гигантский плакат на фотомузее охотились с помощь бутылок с зажигательной смесью, так что кому-то это все — как красная тряпка для быка. Это тем более справедливо, что быки, как говорят, красный от других цветов не отличают.

http://www.art-times.ru/world/index.php?ID=2693

«…Фотография для Араки — это не просто вид самовыражения, а стиль жизни. За день он может отснять до десяти фотопленок. 'Жизнь — это фотография'…»

http://www.art-times.ru/upload/iblock/355/10.jpg

«Творческая задача, которую ставит перед собой Араки, - оказаться на грани вульгарного и возвышенного, банального и неординарного, там, где обычная уличная сцена может в мгновение трансформироваться в интимную ситуацию. Следуя той же логике, характер работ японца можно определить как сочетание экстаза и смерти, жажды жизни и меланхоличного осознания ограниченности человеческих возможностей».

Нобуеши Араки, «Цветной Эрос», 2004-2005

http://www.art-times.ru/upload/iblock/80e/1.jpg

Еще:

…выставка Нобуеси Араки «Токийский натюрморт» в Московском доме фотографии:

«'Токийский натюрморт' — вызывает неоднозначную реакцию: чего стоят снимки обитательниц квартала «Красных фонарей»: связанные, стреноженные, подвешенные «жертвы», женщины в позах, которые обычно называют «неприличными». Много голых тел, неатлетических, некрасивых, немолодых. Из снимков фотограф составляет громадные панно: сцена любви разбивается на многочисленные эпизоды, садо-мазохистские фантазии сливаются в черно-белые квадраты.

А напротив — яркие, большие снимки цветов с очень эротичными пестиками и тычинками. В Японии действует жесточайшая цензура, на родине Араки беспрепятственно разрешают печать только представителей флоры.

По словам директора МДФ Ольги Свибловой, чтобы открыть эту выставку, пришлось ждать 4 года. Работы японского фотографа уже не шокируют, случись подобная экспозиция лет 10—15 назад — был бы вселенский скандал. Зато, сейчас разложив по полочкам все чувства (даже смерть жены снята скрупулезно), Араки показывает нам, что его выставка соответствует лозунгу «Фотография — это убийство». Смысл тот же, что и у Бодрияра, но накал эмоций — сильнее».

http://www.mdf.ru/search/authors/araki/

Картинки через Yandex россыпью >

Картинки через Yandex россыпью, в латинке >

Ну, и после адаптации — сюда:

http://images.google.ru/images?q=Nobuyoshi%20Araki

Токийский фотограф >

Тимофей УТКИН: ÍАраки, этот токийский Тулуз-Лотрек, Генри Миллер и Росселлини вместе взятые, родился в 1940-м, был пятым из семерых детей, и почти никогда не покидал родного города. Тридцать с лишним лет назад он выпустил свой первый альбом, посвященный проститутке Геми, в 1970-м разослал снимки критикам, знакомым и просто людям, выбранным наобум по телефонному справочнику, еще через год опубликовал фотографии собственного едва закончившегося медового месяца, потом работал над серией 'Фотография — моя страсть', снимки которой выходили за пределы допустимого даже по меркам японского 'Плейбоя', журнала, где сотрудничал художник. Когда его жена заболела раком, появилась сюита 'Сентиментальное путешествие' — мемориал любви: Йоко курит в постели, Йоко лежит свернувшись калачиком, рука Йоко из-под больничной простыни, Йоко умирает..., мертвая Йоко в гробу, святилище Йоко в доме Араки…»

Нобуеши Араки, «Сентиментальное путешествие», 1991

http://www.art-times.ru/upload/iblock/354/2.jpg


Вот тут еще занимательно, из «Япония сегодня»:

Лидия Водопьянова, Нобуёси Араки: «Я — это фотография»

«…Свою первую фотокамеру Араки получил в подарок от отца, когда ему было 16 лет. С тех пор он с ней практически не расстается. В этом еще одно проявление его мании: минимум — одна черно-белая и одна цветная пленка в день. Максимум — не ограничен.

…за ним тянется шлейф из подчас диаметрально противоположных эпитетов: «непревзойденный мастер фотографии», «порнограф», «летописец Токио», «маниакальный фотограф»... И несмотря на то, что одни возносят его до небес, а у других его творчество вызывает шок и отторжение, это и есть слава.

…Араки крайне редко уезжает из Токио. Причина такой «усидчивости» вовсе не в отсутствии интереса к другим городам, а как раз наоборот - огромная ответственность художника перед своим Токио, в котором ежеминутно что-то меняется, что-то происходит. И Араки считает своей миссией фиксировать все эти изменения и события, пропуская их через свою фотокамеру, а значит и через самого себя. «Я - это фотография», — говорит он.

Он разный, он необъяснимый, он — гений, как он сам без ложной скромности себя называет».

http://www.japantoday.ru/arch/jurnal/0208/15.shtml

Смерть — печальнее. Нобуеши Араки.

«Араки — это целая серия под названием 'Жизнь через объектив Лейки' (1999). Его маниакальность безгранична. Что вижу — то пою. Записки акына. Нобуеши Араки — фотограф совсем не в том смысле, в каком бывают фотографами так называемые фотохудожники. Они компонуют серии, они убивают время на ловлю кадров. Араки щелкает по четыре пленки в день: ходит-смотрит-снимает-думает одновременно. Результаты не занимают воображение так, как может занять один красивый кадр или одна отчетливо выработанная серия, но они завораживают так, как может заворожить одна красиво прожигаемая жизнь. И поэтому у Араки так много случайных открытий: увидел — победил. И прошел мимо. А кадр — остался».

http://fotolex.h12.ru/stat2.htm

*

Naked city — photographer Nobuyoshi Araki's art — Interview ArtForum:

http://findarticles.com/p/articles/mi_m ... i_16462109

Nobuyoshi Araki — Polaroids (и там еще две ссылки):

http://www.assemblylanguage.com/images/Araki.html

Nobuyoshi Araki
The definitive overview of Japan's greatest and most controversial living photographer.

http://www.phaidon.com/Default.aspx/Web ... 0714845555

http://www.arakinobuyoshi.com/index.html

...


During his career photographer Koos Breukel (b. The Hague, 1962) portrayed more than fifty colleagues who, in many different ways, deeply influenced his vision and ideas about photography. The exhibition includes Breukel’s portraits of Rineke Dijkstra, Richard Avedon, Robert Frank, Ed van der Elsken, Gerard Fieret, Hellen van Meene, and many others.

Еще один должок…

Koos Breukel

С единственной пока работой (хорошее разрешение) фигурирует на сайте artandphoto.ru:

http://www.artandphoto.ru/pic.php?razd= ... artist=534

Где имеется основательный по количеству авторов, хотя и небольшой по числу снимков раздел

Фото ретро:

http://www.artandphoto.ru/razd.php?razd=photo2

Правда, сами подборки весьма интересны (я смотрел Мэпплторпа и Ман Рэя) из их «Последних поступлений», а также кое-что из глоссария:

http://www.artandphoto.ru/razd.php?razd=photo2

Даже единичные работы веслма интересны, загляните, Ли Миллер какая:

Lee Miller in lanvin prelude, George Hoyningen-Huene:

http://www.artandphoto.ru/pic.php?razd= ... artist=103

Основная (единственная) ссылка на русском:

Среди фотографов, Работы Куса Бройкеля в Фотомузее Гааги

http://www.art-times.ru/world/index.php ... 13&ID=2265


Koos Breukel, Blancapers

«…люди являются главной и единственной темой фотографий Куса Бройкеля. На заре своей карьеры в период сотрудничества с печатными изданиями Elsevier и Quote героями его портретов становились популярные музыканты, министры и простые менеджеры. Но вскоре художник устал от фотографий людей в строгих костюмах и сосредоточился на драматичных моментах, которые случаются в жизни каждого».

Это очень интересный проект, идею которого был бы смысл заимствовать:

«…Каждый из 55 портретов, представленных в Фотомузее сопровождается работой автора, изображенного на снимке. Тематика этих фотографий варьируется от автопортрета (например, Герарда Фирета) до романтических пейзажей (Хан Сингельс). Всех персонажей Бройкель фотографировал в своей студии или в специально отобранных местах. Некоторые портреты были сделаны совсем незадолго до выставки».

Весь список >



Сайт (фотостудия) — http://www.koos-breukel.com/koos-breukel/index.htm

Там можно посмотреть «10 photographs»:

http://www.koos-breukel.com/koos-breuke ... cture0.htm

См. также небольшую подборку на noorderlicht.com



http://www.noorderlicht.com/eng/fest01/ ... index.html

Хорошая подборка из разных серий — вот здесь, на galeries.nl

Но речь, вообще-то, не об этом проекте, а о серии портретов, о которой я вспомнил, когда речь зашла о выставке «Об эмоциях». Связи буквальной, впрочем, нет.

...
Koos Breukel: Cosmetic View

Pim Milo, 2006: In most cases, the subject of a portrait looks at the viewer. But why is this so uncomfortably intimate in Cosmetic View? Breukel has access to places where we cannot go. He crawls inside the model through the healthy pupil and takes us with him to a different, unknown universe. And what happens if the eye is a prothesis? Then a miracle happens, because the glass eye gives access to this same universe. That is Breukel’s talent.



Looking for introversion

A portrait photographer has to be curious. He must also be in love with photography. And he needs a certain quietness, so that the person portrayed forgets the presence of the camera and photographer. These are the ingredients to make Breukel one of the view Dutch photographers that stand a chance of becoming part of the international photography canon. Breukel works with a Deardorff camera, a slow, somewhat archaic machine, which requires exchanging the 8 x 10 inch cassette after each exposure. While the photographer focuses on his technique, the model is left to his or her own devices. When Breukel’s models are completely in themselves, he goes along with them. It’s the introvert moments Breukel is hoping for. Meanwhile, he is also examining his own feelings, the various aspects of himself. The art of portraying revolves around identification and recognition. Every portrait is in part a self-portrait (the photographer captures what he recognises), and in this way the body of work of a portrait photographer reflects his personal development.

Весь текст:

http://milo-onphotography.blogspot.com/ ... eukel.html

Три снимка из серии:

http://www.photoq.nl//images/upload/breukel.gif

Вся серия на в галерее Van Zoetendaal:

http://www.vanzoetendaal.nl/koosbreukel/

.

Пришло вот только что письмо от Насти Ф. по поводу кредитов, семестров прошлого курса… эх, бюрократия… Но вот с такой припиской, порадуемся вместе:

«P.S. Очень хочется поделиться впечатлениями! Встретилась я с довольно известным фотографом Joel Myerowitz в Нью Йорке, и он предложил сделать мне мой портрет.

Впечатление вот какое:

как приятно работать со старыми широкоформатками! У него 60-летняя, в деревянной коробке, такая… ну, чуть ли не антикварная!!!

Стоишь перед ней и кажется, что не фотограф с тобой работает, а меткий — чувственный — глазок тебя рассматривает. В жизни не ощущала ничего подобного!! Разница — поразительная. В погоне за светом мы облазили с ней (тяжеленной камерой) все, что можно.

Потрясающее наслаждение — настраивать фокус, находиться под этим покрывалом — как в своем мире… И все — как на ладони!

Позавчера получила я 2 из 8 своих снимков. Расплакалась, когда увидела…

Мораль: !!! как прекрасно быть мастером своего дела! Как замечательно получать наслаждение от своих глаз и чувств! и как уважительно мне все, что делаете Вы или любой другой мастер — мастер с большой буквы, который ощущает большой мир через маленькую коробку!

Спасибо!»

...
В словарик:

Cibacrome=Ilfochrome, а Dawid не равно David

Возможно, новая любовь к Lambda Print внесет свои коррективы в классическую ориентацию на Cibachrom, но пока дела так обстоят, что шедевр лучше швейцарской технологии доверить… Что и делают.

Béatrice Helg тоже печатает свои работы на Cibacrome, который, правда, теперь называется Ilfochrome.

Марко Плюс, монохромные работы которого при просмотре с рук как-то так потрясли меня на встрече дома у Сергея Гитмана в Москве, швейцарец, снимает предметный мир, открывая образы и состояния совершенно поразительные, проникая в суть глубоких и философских понятий с помощью ключа форматной камеры и удивительной пластики пепельных полутонов и невероятной воздушности серебристых светов.

А вот весьма аттрактивные картинки найденных на улицах и дорогах вещей, снятые также на форматную камеру и отпечатанные на Cibachrome'е, расходились просто как горячие пирожки. Товар, так сказать, двойного назначения — и приятный глазу потрясенного обывателя, и предъявляющий глубинные пласты более вдумчивым зрителям.

Так и у того Dawida'а который Björn, про которого можно было бы случайно подумать, но он — David Byrne, ведь и там тоже Cibacrome, возьмите хоть его Summa Scientiae Mundi, хоть Sacred Objects.

Как-то это все не выглядит случайным. И какая музыка, а?

Dawid — работа на обложке свежего шведского журнала

...
Там же вычитал:

http://www.tidningenfoto.se/Sites/Foto/ ... taID=35616

что в грандиозном датском музее Louisiana — Richard Avedon.
Возможно, тоже отдаленным образом наша легенда, стоило бы уточнить.



http://www.louisiana.dk/page.asp?objectid=3914&zcs=13

...
Не могу не процитировать:

http://forum.znyata.com/viewtopic.php?p=15019#15019


Похоже, у меня совсем плохо с пониманием юмора стало… На всякий случай:

Кроха сын к отцу пришел, и спросила кроха:

Что такое хорошо, что такое плохо…

http://viceland.com/issues_au/v2n3/htdo ... graphy.php

...
Ўжо з першых дзён працы анлайнавага ўнiверсiтэта вiдаць, што ёсць вельмi зацiкавыўленыя студэнты. Вось, у прыватнасцi, якая спасылка знайшлася (гэта з «Фармальнай кампазiцыi» пошта).

J.S. пiша:

«Чытаючы надта нуднага Лапіна, дайшоў да «гіперрэалізму» і пачаў шукаць, што гэта за зьвер.

Гиперреализм — термин, который используется для обозначения: а)течения в современном искусстве (живописи и скульптуре) 1990-2000-х годов, б) творчества европейских фотореалистов 1970-х годов.

Мяне зацікавіла больш другое паходжаньне тэрміну і знайшоў цікавага фотамастака Герхарда Ріхтэра з цікавым поглядам на жыцьцё. Фатографам гэтае будзе цікава».

На самой справе не ведаю, наколькi… Але нешта тут сапраўды ёсць. Вельмi цiкава паглядзезь, напрыклад, на кошты гэтых маляваных па фатаграфiях прац. Здаецца, што у некаторых выпадках уласна фотаздымак (арыгiнал) мог каштаваць i даражэй. Але ёсць и цалкам прыстойныя грошы…

Gerhard Richter » Art » Paintings

http://www.gerhard-richter.com/art/paintings.php


Betty, 1977, 30 cm X 40 cm, Oil on canvas

...
ликБез прадалжаецца! и нават ужэ па-беларуску! крутизна!

и что? эти все ЛЕГЕНДЫ в гости к нам????????

...
Я тут в связи с нахождением большой подборки снимков Андрея отправился на конкурирующее обсуждение. Нашел там цитату из С.Л.:

«'...Отношение к коллегам.

Мне по долгу службы приходилось общаться со многими выдающимися мастерами. Я отметил в них одно качество: бескрайнее добродушие. Поэтому и мир им открыт, и разные измерения. И душа их постигает самые сложные образы и смыслы. Они одновременно 'в, над, вне, с...'

И я видел, как общаются Виткин и Аведон, Ньютон и студенты арльской школы, Сальгадо и фотолюбители из Брно. Братья по цеху, вот что я скажу. Вот был такой Иисус Христос, так он про отношение к друг другу, т.е. к работам товарищей по цеху, правильные вещи говорил.

Так вот, я просто знаю одну закономерность. Злость — это пошлость, а пошлость, хоть и уют души, но приводит к размягчению мозгов и умерщвлению творческих способностей, к абсолютной ограниченности. Человек, не способный вместить в себя весь мир и принять его таким, как он есть, — не способен и на широкие жесты в области творения.

Об этом еще Леонардо писал, и дальнейшая история подтвердила его мысли. Есть еще вопросы личной позиции, идеологии, гуманизма. Но это не отрицает всего выше сказанного.

Злость и хамство — не инструменты познания миров, а каждый автор есть мир, космос'.

(с) Андрей Текила»

Еще раз ужаснулся тому, что он никому здесь не нужен…

...
Константин утаил одну ссылочку, а я вот такой…

Это по поводу сайта

Photography and image capture: the Leica technique and philosophy by Erwin Puts

Вечернее чтение.

Т.е. читаем, понимающе киваем головой. Читаем в следующий вечер, снова киваем гловой. Читаем в третий вечер, переходим в состояние отрезвления и готовности к немедленным действиям.

Наутро выносим мусорное ведро, в котором жалко погромыхивает бездушный цифровой пластик.

(39) Photography does not exist anymore! : http://www.imx.nl/photo/viewpoint/text.html

Intro

The title of this essay is a bit provocative. Nevertheless the bottom line is clear. Most people assume that digital photography (a huge misnomer) is simply photography by other means than the use of film and chemicals. Take a camera body from the film-based era and substitute a sensor on the spot where the film gate used to be located. Then proceed as if nothing else has changed. This attitude is not only widespread it is the conventional wisdom worldwide. Being universally accepted does not make it true. If that were the case, we would still believe that the world is flat or that the world has been created six thousand years ago.

Core values

The essence of film-based photography is not only the fact that the mechanism of capturing an image and fixing it in a silver halide grain structure creates a final picture that can hardly be altered. The fundamental issue here is the fact that the laws of physics create the image, in particular by the characteristics of light rays and the interaction between photons and silver halide grains. Photography is writing with light, and fixing the shadows. Human interaction and manipulation are minimized and reduced to the location, viewpoint and moment of exposure by the photographer. Reading the new book about Cartier-Bresson, the Scrapbook, makes one aware of that peculiar and forceful truth that photography is not only intimately linked to the use of film, but in fact depends for its very existence on film.

Some days ago Jim Lewis wrote an analysis about John Szarkowski and noted (I quote in full): “In the years just before Szarkowsky retired, the best of photography underwent yet another deep change, becoming integrated into the broader concerns of art in general, influenced by conceptualism, performance, painting. It is only slightly overstating matters to say that there's really no such thing as photography anymore. It simply doesn't exist, except as one of many ways to make something that counts as art;” Many pioneers in image making did not believe in photography as a distinct medium requiring special skills (one is reminded of David Hockney who has held the same position).

Recently Jonathin Lipkin, has stated that same position: the transition from film-based to sensor-based photography is not a simple change in technology, but a fundamental change in culture and philosophy. Everybody can create technologically perfect images at this moment: the powerful post processing software will take care of all technical hurdles that the film-based photograph had to master. I am not claiming that the mastery of the craft is the essential element of photography. What I claim is that the relation between craft and result defines the result: the medium is still the message.

Fundamental differences

The best way to understand this difference is to take pictures with a film-loading camera like the M7 and the sensor-provided M8…

Еще, большая и очень любопытная статья:

des Pudels Kern (Goethe) : http://www.imx.nl/photo/leica/leica_des ... goeth.html

Introduction

Current film-based and solid-state camera systems look like clones of each other, differing mainly by the nametag. This state of affairs is the natural result of the democratization of industrial design. The requirement that products must sell in high volumes in a short period of the life cycle forces a convergence of designs to one single universal optimum. The same evolution happens in most industries: the car industry has to adopt an aerodynamic shape that is optimized in the wind tunnel and the inside can de designed in only a few ways to maximise flexibility and driver comfort. Consumer electronic products and in particular the current crop of digital cameras, high end and low end, tend to one recognizable shape with the same set of features to be able to compete with other products.

It was not always like this and some persons deplore the lack of individuality that characterizes most modern products. It was not always like this. The main cameras in the decades from 1950 to 1970 (the second golden age of the 35mm camera) were strikingly different and appealed to different user groups. Individual designers or small designer teams with quite strong opinions about the characteristics and engineering of the best camera created the Exacta Varex, the Asahi Pentax, the Zeiss Contarex, the Olympus OM, the Leica M, the Canon F1 and the Nikon F/F2 and several others. With the exception of the Leica M, all of the great cameras are gone or replaced by modern variants with more features and a very high level of user comfort and engineering efficiency…

...

2222-ой, планета Земля, Эра фотографии

Эффект бабочки, страшная вещь.

Поскольку фотография в представлении многих сродни охоте, мужскую половину человечества потянуло на фотографию, как мотылька на огонь. Достаточно было только чуть-чуть подтолкнуть…

*

…со временем стало совершенно очевидно, что мальчик родился фотографом. Сомнения отпали даже у скептиков.

Правая ручка малыша оставалась маленькой, но два пальца становились все крепче и крепче.

Левая росла все больше, а пальцы — вытягивались. Это чтобы надежно удерживать крышку от объектива, два комплекта аккумуляторов, десяток карт памяти, сменную линзу и терабайтный накопитель для лучшей сохранности миллионных дублей.

Родители не могли нарадоваться, присматривая ребенку первые зеркальные камеры, пара-тройка которых могла бы удобно уместиться в карманах детского фотографического плаща…

А!..

Я еще забыл про нос, глаза, шею и один предмет ниже пояса…

...
Еще одна выставка Jay Mark'а Johnson'а, здесь, правда, я ту не вспоминал, ниже дам ссылку.

TEMPO LINEARE
Jay Mark Johnson
Pro Loco Cetona
I. Cetona, 29 Sep–28 Oct 2007


© JAY MARK JOHNSON


© JAY MARK JOHNSON

Работы с предыдущих выставок:

http://www.deschler-berlin.de/Ausstellu ... nson_E.htm


@ Jay Mark Johnson, Tai Chi Motion Study

(галерея на Flash и несколько кадров с интерьером выставки).

aplanat Galerie für Fotografie:


© JAY MARK JOHNSON

Посмотреть другие снимки (жаль, что небольшие) можно здесь:

http://www.photography-now.com/artists/K32179.html

Покрупнее — здесь:

http://www.artnet.com/artist/425088221/ ... hnson.html

Большой пресс-релиз к выставке в Италии. Положу целиком, чтобы был под руками:

Jay Mark Johnson's remarkable large-scale photographs and photo-collages are about space and time, and paradoxically, in the case of the images in this exhibition, about space and timelessness. He takes subjects that have engaged the imagination of artists for centuries‹the bustle of the piazza, the routines of the countryside‹and transforms them, employing the technology of the computer age, into visual narratives that astonish the eye. In this newly-minted world, the familiar co-exists fruitfully with the pictorially startling. A horse is led across an abstract landscape made up of attenuated filaments of vivid color. A swimmer advances through water that seems to refract light both optically and digitally.

The technique Johnson uses to produce these images is known as slit-scan photography. In the past it has been employed for scientific experiments, and also to produce optical effects in films such as 2001: A Space Odyssey. (For two decades, Johnson was a visual effects supervisor in the movie industry.) Slit-scan photography involves prolonged exposures in which a frame of film, or an array of digital sensors, is sensitized--over a period which might amount to several seconds--by a narrow, moving band of light. All of the movement that occurs in front of the lens during this period is synthesized into a single image, so that the resulting photograph incorporates the dimension of time, in effect freezing it.

No matter how skillfully applied, of course, technology does not guarantee an outcome that deserves to be described as art. That requires vision, and Johnson's is fully apparent in the ten images of Cetona and its surroundings that make up this exhibition. These photographs do not present their subject matter in the manner of a postcard, or an illustration in a travel brochure. Rather they isolate aspects of a particular scene‹pedestrians and automobiles, for example, or a man pushing a wheelbarrow‹and present them against a background that retains only vestiges of figuration: the merest hint of a roadway, a horizon line, a panoramic expanse of sky. In short, Jay Johnson employs digital technology to focus attention on a few essential elements of the subject which become the focus of the image.

This is the opposite of what we find in the photographs of artists such as Andreas Gursky and Thomas Struth, who produce comparably large-scale works that draw their strength from the exhaustive accumulation of detail: images in which the point is that everything is shown, nothing is excluded. Johnson, by contrast, uses the slit-scan technique to simplify through selectivity, offering the viewer with an edited version of the subject rather than confronting him with a visual catalog of its components.

In the present exhibition, this simplification is perhaps most apparent in the image of a tractor seen as a distant object in a landscape that has been reduced to a non-figurative array of parallel horizontal lines. All recognizable pictorial information has been eliminated, except for the tractor itself which exists as a conventional photographic representation. Its smallness against the immensity of the picture plane gives the image a poignancy that is heightened by the dialogue set up between illusion and abstraction.

Selectivity is equally important in more complex images such as the pair in which people and animals, cars and trucks move from right to left along a street without recognizable features, their shadows cast this way and that in a manner that can be explained only by the seemingly perverse optical characteristics dictated by slit-scan technology. Johnson describes these two images as photo-collages, an acknowledgement of the fact that he has used digital means to combine figures borrowed from different exposures. Photo-collage is in fact a very appropriate term in that the results actually suggest something that might have been assembled from figures clipped from conventional photographs and glued to a drawn or painted background created with the help of a ruler, or masking tape. Each of these two images contains more than a score of figures, not counting dogs, yet the process of simplification remains apparent in the lack of topographical context which encourages the viewer to focus attention on the procession of people, pets, and automobiles, the latter rendered toy-like by the camera.

Маэстро:

http://www.flickr.com/photos/youraccoun ... 221008456/

...
Важные какие авторы на выставке, а?

american beauties
Haus der Photographie / Deichtorhallen
D. Hamburg, 10 Oct — 06 Jan 2008


Nan Goldin: James eating an apple, Jean Colonna Paris, 1995
aus dem Portfolio "James King: Supermodel. Photographs Nan Goldin",
1995. 48,2 x 39,7 cm. Cibachrome.

Собственно:

art club 2000, Larry Clark, Nan Goldin, David Hockney, Lisette Model, Karl F. Struss, Wim Wenders

...
Немного ностальгии:

Die Fotografin der magischen Sekunde
Ré Soupault
Literaturhaus München
D. München, 03 Oct–25 Nov 2007


Philippe Soupault, Tunesien 1940
© 2007 Nachlass Ré Soupault / VG Bild-Kunst, Bonn 2007

Другие снимки см. отсюда >

Из Киева записочка вот такая:

«Все верно. Но не просто была знакома, а портретами и работами Изотова у Копенкиной вся квартира была увешана, как иконами 'Битлов' в свое время…»

В записке еще продолжение было, но уже с личными весьма подробностями, так что я не могу здесь цитировать все…

...
Не знаю, запишу-ка я по старой памяти Азарова в легенды на всякий случай:

«— В самое ближайшее время открою 2 своих новых проекта — один, посвященный кулинарным рецептам (с собственными фотографиями блюд), второй — сайт портретов и вообще фотографий. Я ведь еще и фотографирую ко всему прочему, с 13-ти лет. Вот и насобиралось много хороших снимков, для которых и был куплен адрес и сейчас делается дизайн сайта».

http://www.it-belarus.net/publications/view/44/

Первое уже имеется, глядишь, съездит как-нибудь Андрей с нами на пикник, порадует:

http://talerka.ru/